Mats Gustafson

gustafson en Estocolomo

Mientras regreso de Estocolmo, donde he podido pasar unos cuantos días, aprovecho para escribir sobre una exposición que se puede visitar, del ilustrador de moda sueco Mats Gustafson, y lo hago antes de que se pase la fuerte impresión que me ha causado. Encontré esta muestra en la casa-museo del escultor Carl Milles, en un suburbio cerca de la capital.gustafson01

Este ilustrador, nacido en Suecia en 1951 y afincado en New York, lleva trabajando desde los años 70 y ha realizado portadas de las principales revistas de moda e incluso bolsas de papel para H&M. Empezó en una época difícil para el dibujo, por la hegemonía de las fotos y las supermodelos en el mundo de la moda. Ahora que la ilustración vuelve a llevarse, es justo que estas figuras se recuperen.gustafson04

La exposición recoge su obra más característica, con acuarelas de formato medio, de unos 50 cm. Son casi monocromáticas, y renuncian a los detalles para reflejar siluetas y transparencias, algo muy apropiado para la moda. Lo que en un primer momento puede parecer simplicidad se convierte en una disciplinada selección de lo fundamental. Esa concisión es más difícil por el medio empleado, la acuarela, que no permite correcciones y debe realizarse con una sola tintada y trazo por cada capa. A eso se añade una mágica comprensión del trabajo en húmedo que proporciona irisaciones y texturas impactantes.

Se aprecia una fuerte influencia de las aguadas chinas y japonesas, con trazos casi caligráficos y únicos, sin apenas mezcla de colores. A esto se une su clara vinculación con el pop art, del que fue contemporáneo en sus comienzos, que se traduce en gusto por la seriación, fondos planos, ausencia de perspectiva y contornos fuertes como los del cómic. Sus figuras recuerdan a las de Opie o Roy Liechtenstein, pero con la sensación de frescura que aporta la acuarela.

En cuanto a los temas, se centra en el mundo de la moda, aunque también tiene retratos y desnudos. Las prendas aparecen estructuradas por la silueta que las soporta. Son especialmente fascinantes los tules negros superpuestos aprovechando la transparencia de la tinta.
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No estamos ante un simple figurinista de oficio y a la moda, que construye siluetas sugerentes. Hay un gran trabajo para esencializar con el dibujo, como queda patente en sus retratos. También se construye una atmósfera y se colocan los motivos en relaciones compositivas atrevidas con los marcos.  No en vano, Gustafson proviene del cine y la escenografía, como demuestra el vídeo de este enlace, que debe verse con paciencia.

En resumen, un autor que ha trabajado en los circuitos comerciales pero que viene del arte con mayúscula y desde ahí puede darle peso a la moda, siempre tan necesitada de ello.

Fernando Zaparaín

Est-ce ainsi / Esto es Así

La moda siempre ha mantenido un vínculo muy fuerte con el resto de artes, y se ha servido de sus procesos creativos para su elaboración. Pero, me gustaría presentar el caso inverso, concretamente cuando la arquitectura  se estudia y se piensa  a partir de la vestimenta. Y, bien sabe de ello Xavier Wrona y su agencia en Francia: Est-ce ainsi.

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 Xavier Wrona, en tanto que profesor de arquitectura como director de workshops alrededor del mundo, comprende que se puede enseñar arquitectura a través de los métodos de la moda. Es por lo cual,  en una ocasión el ejercicio de curso de la asignatura de proyectos que imparte es la realización de un redingote o riding coat con un presupuesto mínimo de 50 euros. El redingote o prenda de montar a caballo, era un abrigo propio del Antiguo Régimen que por su diseño abierto en la parte delantera permitía montar a caballo, pero la que su longitud de la parte trasera y su calidad textil marcaba el carácter del hombre burgués de gran riqueza y patrimonio. Los alumnos se enfrentaban así a un proyecto de ideación, definición gráfica para su posterior ejecución real. La mayoría de los estudiantes de arquitectura terminar la carrera sin haber construido ninguna de sus ideas. Entonces, así se aprovecha y se lleva a cabo un ejercicio físico de arquitectura, a través de la indumentaria. Con este ejercicio, aparece el  impacto que adquiere el proyecto gráfico en lo real, haciéndose frente a los incidentes o las sorpresas que ocurren en la ejecución, y a saberlo solventar para redirigir el proyecto. Porque, aquello que dibujan y representan en sus planos, se traducirá en la costuras, estructura y tejido del redingote, pero que en la vida profesional será un muro, una unión estructural o un material de fachada con una plasticidad determinada.

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Las ideas de Wrona tratan de ir más allá. Es bien aceptado por todos que la arquitectura es un reflejo de la sociedad, sin embargo, hay que tener conciencia también de que casi el 90% de los proyectos son dirigidos por la fuerzas de riqueza capitalista. Wrona propone que los diseños se inspiren y muestren la realidad social del momento, convirtiéndose en nuevas voces del individuo. De esta manera, desarrolló un workshop en India en el que se elaboraron vestimentas arquitectónicas abstractas que expresan los problemas del país, como por ejemplo la educación convertida en negocio,  el desarraigo al tradicional mercado de los domingos por las hiper-operaciones urbanísticas, los intocables o el tráfico clandestino de mujeres.

Lo más interesante de la figura de Wona es la manera especial en que se ponen en contacto arquitectura y moda a lo largo de su carrera e investigaciones, produciéndose constantemente fenómenos de ida y vuelta entre las dos especialidades, deviniendo en una simbiosis muy fructífera de ambas.

        03             Alejandro Muñoz Salamanca.

Moda & Sinergias 2.0

El V curso de moda está listo. A continuación os ofrecemos toda la información necesaria para asistir.

El mundo de la moda ocupa un papel central en nuestro entorno cultural y económico. Moda & Sinergias 2.0 explora la estructura y las estrategias de un negocio que innova en su relación con la arquitectura, el diseño gráfico, la música, el arte y las nuevas tecnologías.

La Fashion 2.0 está provocando profundos cambios convirtiendo al usuario de la red en consumidor y creador de contenidos. Se abren nuevas posibilidades profesionales y comerciales que hay que saber gestionar para aprovechar las sinergias que nos afectan a todos como agentes activos en el sistema moda.

Objetivos

El curso busca proporcionar un marco de comprensión de la moda en su relación con las premisas estéticas, las nuevas tecnologías de la información y el conocimiento, los impulsos performativos, las cualidades sociales y las condiciones económicas.

Destinatarios

Estudiantes de Humanidades y Ciencias Sociales, Periodismo, Publicidad, Historia y Ciencias de la Música, Historia del Arte, Económicas, Sociología, Ingeniera, Arquitectura y Escuelas de Diseño de Moda.

Profesionales y empresarios vinculados al sector de la moda.

 

Programa

Jueves 23 de mayo

Tarde

16.00 h. Presentación. Dña. Victoria Cavia. Prof. Hª y Cª Música. UVa, OBtem

Moda y espacio artístico

16.15 h  La exposición de moda, un reto para la conservación. Dña. María López Rey. Conservadora-Restauradora de Bienes Culturales

17.30 h  Moda y arquitectura: piel, masa y superficie. D. Fernando Zaparaín. Profesor Titular de Proyectos Arquitectónicos de la Universidad de Valladolid, Obtem.

18.30 h  Pausa

19.00 h  Moda y escena: trajes del teatro ruso de vanguardia. Dña. Miriam Ruiz Íñigo. Profesora de Proyectos Arquitectónicos de la Universidade da Beira Interior, Portugal.

20.00 h  Mi carne es mi textil favorito: cuerpo, arte y moda. Dña. Alicia Serrano Vidal. L. Historia del Arte.

 

Viernes 24 de mayo

Mañana

Moda y espacio digital

10.30 h  Nuevas perspectivas de la Moda digital. Dña. Isabel Fernández de Córdova. Profesional de la comunicación en Moda.

12.00 h Pausa

12.30 h. La marca de Moda online: un nuevo reto. Dña. María González Álvarez. Retail Industry Manager, Google España.

 

Tarde

Workshop

Moda, Multimedia y Nuevas Tecnologías: Art & Engineering Garage

D. Antonio Cabanelas. Ingeniero audiovisual y consultor. Diseñador de experiencias multimedia para marcas de moda y retail.

6.15 h    Sesión 1.-Identificación de recursos profesionales propios: “Mapping your profesional resources”.

18.00 h  Pausa

18.30 h  Sesión 2.- Innovación en modelo de negocio: “Successful development retail environments”.

19.45     Pausa

Moda y espacio gráfico

20.00 h     Imagen de moda e ilustración gráfica. D. Fernando Zaparaín. Profesor Titular de Proyectos Arquitectónicos de la Universidad de Valladolid, OBtem.

 

Sábado 25 de mayo

Mañana

Moda y espacio gráfico

10.00 h Balenciaga: topografía, superficie y hueco. D. Federico Rodríguez Cerro-Profesor de Proyectos Arquitectónicos de la Universidade da Beira Interior, Portugal.

11.15 h  Pausa

11.30 h  El escaparate: espacios, diseños y tendencias. D. Luis Barrero y Dña. María Sortino. Máster de Diseño de Interiores de la Universidad de Salamanca.

Clausura

 

Información e inscripción:

Al correo electrónico: musica@fyl.uva.es, http://www.musicologiahispana.com/

Historia y Ciencias de la Música. Facultad de Filosofía y Letras

Plz. Del Campus s/n 47003. Tel. 983423596. http://www.musicologiahispana.com/

 

Diploma: se entregará diploma acreditativo a los matriculados que asistan al curso

Créditos: Corresponde 1 ECTS (2,5 LC)

Plazas limitadas por orden de inscripción

Tasa de la matrícula: 20 euros

Forma de pago de la matrícula. Transferencia Bancaria 0182 7206 60 0201537456

Con Miriam Ponsa y su Trashumancia: 080 Barcelona Fashion

La introducción de la banda sonora del desfile sorprende. Una voz de hombre que nos interpela protegiendo su efecto “outsider” por una luz muy tenue:

“Hay que vivirlo, hay que sentirse dentro, ¿sabes? Hay que sentirlo y hay que vivirlo, y hay que vivirlo en el campo. Y hay que dormir bajo las estrellas, debajo de un chaparrón. Y te tiene que llover como nos está lloviendo. Y te tiene que escurrir en la piel, y mojarte y pasar frio y nevar. A mí cuando tenía pelo, porque ahora tengo poco, me han salido hasta chuzos de hielo en el pelo del frio que he pasado en el campo. A mí que no me diga nadie que los animales destruyen el campo: los animales protegen el campo. Y los ganaderos a su lado.”

Estas palabras que dan inicio a la colección sirven de manifiesto a Trashumancia, la colección que la catalana Miriam Ponsa presentó en la última edición de la 080 Barcelona Fashion y que le valió el premio de La Roca Village.

 Miriam Ponsa

El minimalismo de la música que marca el ritmo sobre la pasarela se mezcla con constantes alusiones al mundo rural: sonidos de tormenta, cencerros, campanillas y balidos. Y a ello se une la voz en off en defensa de los animales que la colección visualiza a través de la materia prima más pegada al terruño: la lana. El punto de lana es maleable y suave, se puede doblar, comprimir, estrujar, arrugar y abrazar sin deformarse ni perder las proporciones; es a la vez revolucionario y tradicional,  relajante y provocativo, rural y urbanita, pero siempre atractivo y seductor.

Con prendas confortables y sobrias Ponsa plantea un lifestyle que se refleje en nuestro modo de vestir. Los vestidos, jerséis-bufandas, se mueven, adaptándose al espacio –trashumando- entre texturas, formas hilados, cortes y tamaños que buscan mejorar la estética del tejido, hacerlo atractivo y novedoso.

 

Se utilizan hilos ligeros que permiten imaginar y confeccionar prendas sueltas y excesivas, que no pesan, de cortes con patrones menguados y que recuerdan el producto hecho a mano con grandes agujas. De nuevo la pasión por tricotar. Puntos trabajados con entrelazados, ochos, adornos multicolor, incrustaciones que consiguen un equilibrio entre suavidad, volumen y calidez.

Gabriel Gonçalves/ María José Paniagua

El OBtem con Delpozo en la New York Fashion Week

No siempre se tiene la suerte de ver un desfile de un español en Nueva York. Esta temporada, mientras el main stream se citaba en las carpas de la MBFW, Josep Font prefería sentarnos con vistas al skyline neoyorkino en un piso alto del barrio de Chelsea. Así disfrutamos de su segunda colección para Delpozo.

Foto de Hola.com

Reconocimos a las “mujeres de otro mundo” del mítico diseñador madrileño y que ahora visten con las obsesiones del diseñador catalán. Las siluetas orgánicas y limpias se perfilan gracias a los tejidos rígidos. Detalles románticos como flores y bordados hacen la propuesta más delicada. Se respiraba un futurista aire victoriano, sobre todo en los volúmenes y siluetas. Arriesgada también la paleta de colores. La narrativa visual de la casa sigue fiel a sí misma. Es un placer estético asomarse al fashion film que presenta la colección (www.delpozo.com) y a las imágenes de campaña. En la memoria duermen todavía las fotos de Vallhonrat, y hoy se despierta con una nueva evocación visual.

 Foto de Vogue

La puesta en escena de la cita que nos convocó en Nueva York replica ese mismo imaginario. El lugar escogido es una declaración de intenciones de honestidad porque la luz natural que inunda la sala lo revela todo y no permite esconder errores en siluetas, materiales o acabados. Se abandonan efectismos y sorpresas decorativas en una sala en donde la única escenografía permitida se encuentra literalmente por los suelos. La moqueta-alfombra de flores que pisan las modelos actúa como naturaleza muerta sobre la que se pasea la vida. Las flores vivas se encarnan en las originales estructuras y materiales de abrigos, faldas, pantalones, chaquetas, vestidos y trajes de noche en movimiento.

Una buena elección la perfomance musical del desfile. Música femenina para un desfile femenino en clave atmosférica y ensoñadora. La banda Au Revoir Simone, compuesta por Erika, Annie y Heather, maneja los teclados como un continuo sonoro sobre el que a intervalos calculados va circulando la voz de Erika en un sutil hilo monódico al estilo indie. El inicio de la canción “Take me as I am” abre el desfile creando el clima para los sucesivos temas vocales conectados a través de los largos interludios instrumentales. Un cambio del pulso y una aceleración del tempo sirven de transición al tema “Tell me”, otra de las canciones que, junto a la anterior, forma parten del álbum que la banda sacó en 2009 bajo el título Still Light, Still Night.

 

Los sonidos son suaves, monótonos, sin distorsiones o ruidos desgastados. Con un ritmo lento y pausado se permite a las modelos avanzar por la gran sala siguiendo las pautas de circulación de pasillos enmarcados por las sillas del público. Sin saturaciones pero sin descanso. La intensidad del continuo musical por la vía del “menos es más” nos recuerda de alguna manera que estamos en la ciudad que vio nacer la postmodernidad desde el minimal. La imagen visual de la banda se corresponde a un arquetipo femenino alejado de “poperas” abrasivas o Barbies hipertrofiadas sexualmente. Un código que empasta bien con la imagen musical amigable, pero no vulgar, del Brooklyn más hipster. El estilo muestra filiación con la tradición neoyorkina contenida, orgánica suave, atmosférica y ensoñadora. Su formato encuentra las claves para servir como lienzo a otros productos de la cultura popular al anclarse lejanamente en la música repetitiva. La funcionalidad es en definitiva el objetivo de cualquier música que actúe como contrapunto a fashion films, páginas webs, pasarelas o cualquier herramienta relacionada con las nuevas tecnologías asumidas por las marcas de lujo.Foto de Vogue

Un desfile forma parte de esos productos que necesitan de la música adecuada si quieren estar por encima de la media. Muchas veces escuchar a los intérpretes en directo cambian la percepción que se tiene de su música. Lo cierto es que ver al trío de Au Revoir Simone en el desfile creado por Font subraya la integridad de la colección. Esta vez se ha conseguido que la música este al servicio de su objetivo. Felicitaciones y sugerencia. Quizás para la próxima vez se pueda plantear contar con temas musicales originales. Es decir, a estrenar por intérpretes de nivel. A colecciones de moda nuevas, composiciones de música nuevas. Se puede aducir en contra que un desfile no es más que un producto más de la cultura popular y hay que evitar riesgos, al menos en uno de los componentes del mensaje como es la música. Apostar por un ambiente sonoro familiar es presuponer que habrá una mayor atención a lo visual, a la colección. No siempre, no siempre…¡

 

OBtem

La moda en Egipto según Marina Terés

Me llamo Marina Terés, tengo dieciséis años, soy española y llevo viviendo en El Cairo desde hace tres años por motivos de trabajo de mi padre. Por esta razón viví ‘en vivo y en directo’ la revolución y he sido evacuada dos veces por razones políticas del país. He podido ver como esto ha afectado al país radicalmente y los cambios que ha habido.

Indudablemente en la moda estos cambios se han visto reflejados también porque las mujeres ya no tienen la misma libertad, ahora se les ve mucho mas tapadas, un gran porcentaje de las mujeres han ido desde velo a burka en muy poco tiempo.

Dicen que la moda expresa quien eres, y por lo tanto el ambiente y lo que te rodea, las cosas que te influyen. En el Cairo la moda está influenciada más que ningún otro sitio.  Cada vez más utilizan burka la mayoría de las mujeres musulmanas,  hay incluso tendencias de burka; leopardo o cebra, estampados de flores, negros y beige.

 

Las mujeres egipcias  de religión musulmana tienen  ‘dos caras’, el burka es una de las caras, lo que llevan debajo del burka es la segunda. Se ponen ropa de alta costura, por ejemplo muchas  mujeres egipcias de  clase alta con burka llevan bolsos de Louis Vouitton y gafas Rayban con grandes cantidades de colores fuertes de sombras de ojos para aclarar su estado en la sociedad, algunas llegan a parecer autenticas Mariquitas Pérez.

 

También están las mujeres sin religión en la sociedad árabe que casi no existen o las mujeres no tan radicales desde el punto de vista religioso. Estas imitan el estilo europeo, porque las tiendas mas usadas aquí son H&M, Mango y especialmente Zara, que aquí está considerada de alta costura. Sin embargo aquí  a las mujeres les gusta ir vestidas  por diseñadores famosos,  algunos de los ejemplos son Prada, Versace, Miu Miu, Chanel, Gucci y Gianmarco Lorenzi.

Las mujeres egipcias tienen una apariencia discreta al cubrir todo su cuerpo según el Islam, sin embargo llevan lencería de marca debajo de la ropa, por ejemplo Women’s secret es una de las más populares. En el Cairo una de las cosas que llaman la atención cuando vas de compras es la cantidad de tiendas de lencería que hay, con maniquís muy provocativos y seductores lo cual contrasta con la religión y las reglas del Islam.

 Marina Terés

Mannequin, Le Corps de la Mode – Maniquí, El Cuerpo de la Moda.

La cité de la Moda y el diseño de Paris, en colaboración con el museo Galliera dentro de su programación hors-les-murs aux Docks, inaugura una nueva exposición que se centra en el elemento esencial de difusión de la moda, el maniquí o modelo.

Cerca de 120 imágenes,  vídeos, revistas de moda y otras obras, de las cuales la inmensa mayoría forman parte de las colecciones del museo Galliera, son reunidas en esta exposición. Las fotografías de grandes artistas como Horst P. Horst, Erwin Blumenfeld, Henry Clarke, Helmut Newton, Guy Bourdin, Nick Knight, Corinne Day, o Juergen Teller se presentan junto a maniquíes de escaparate, de modista, además de trajes y vestidos bien presentes en nuestra memoria.

La escenografía, llevada a cabo por el arquitecto Jean-Julien Simonot, se caracteriza por su sobriedad y elegancia, mediante instalaciones metálicas de estética industrial que sirven de apoyo para estanterías y cajones que se abren y cierran para recoger cada una de las piezas de la exposición. Luz tenue y escala íntima nos ayudan a acercarnos a la figura de la modelo.

La exposición parte del proceso estético que ha seguido la moda para la fabricación del maniquí. Ya sea de madera, cera o plástico, siempre ha oscilado con la ambigüedad entre objeto y ser vivo. En origen y sin mayores pretensiones, los costureros y vendedores del siglo XIX usan muñecas de aspecto irreal o soportes sin cabeza y manos para fotografiar las prendas. El proceso evoluciona pasando por situaciones como las que plantean Guy Bourdin o Helmut Newton con sus imágenes, donde la modelo real aparece como objeto totalmente inanimado.

 

En los espejos de un salón de costura, bajo los proyectores de los estudios, dentro de las páginas de revistas y en las pantallas de los dispositivos electrónicos, la modelo es mirada desde todos los puntos de vista, adoptando una mecánica de poses. Tanto en díptico, tríptico o  sobreimpresión se catalogan las prendas por su parte delantera, reverso y lateral. Sus gestos repetitivos y artificiales componen una coreografía que varía según las diferentes épocas. Se puede ver una filmación de 1923 donde los maniquís se mueven con torpeza delante de la cámara, algo totalmente opuesto a los desfiles de Thierry Mugler en los años 80 donde se desarrolla un espectáculo total en sus desfiles, o el caso de la colección de Gareth Puph de 2011, en que usa un maniquí mecánico simulando a Kristen McMenamy.

 

 

El cuerpo del maniquí, tanto como objeto como persona de carne y hueso, da forma y sentido a la prenda que lleva, es por eso que pasa por las múltiples manos de peluqueros, maquilladores, redactores de moda y fotógrafos, para finalmente adquirir la imagen que el diseñador desea.  Es más, todo ello se ve influenciado por los cánones estéticos. Las normas de la belleza femenina se imponen y se definen por el culto a la delgadez  y juventud de los años 60. El ideal busca la perfección y se lleva al límite en el cuerpo de la modelo, adquiriendo caracteres de artificialidad, con siluetas lisas e irreales con el propósito de conseguir una imagen final.  Se resume bien a las mujeres heroínas de los 80 con las modelos triunfantes de Helmut Newton y la interrupción de la belleza imperfecta de los 90. Aparece de forma anecdótica, la visión de Cindy Sherman con Rei Kawakubo en Comme des Garçons, donde se destruyen los códigos de la industria de la moda y la representación de la mujer.

 

Un pequeña parte de la exposición se dedica a aquellas veces en las que el maniquí físico desaparece o carece de cabeza, manos,…, adoptando una abstracción que contribuye a dar sentido a la prenda que se muestra, guardando la memoria del personaje que los encarnarían. Gran ejemplo es el trabajo de Irving Penn para Vogue, donde se evoca un universo surrealista. En cambio, estos métodos son muy utilizados actualmente en los e-shops para reducir costes de producción.

Y por último, se muestra el papel de la modelo que parte del anonimato, puesto que se consideraba una actividad deshonesta por el hecho de vivir de su cuerpo, a la celebridad actual. Tras la segunda guerra mundial se reconoce por primera vez su carácter de personalidad, y es con Peter Lindbergh y Steven Meisel donde se alcanza mayor repercusión con la aparición de la supermodelos a finales de los 80. En cualquier caso,  se puede ver que desde el nacimiento de la alta costura hasta hoy, las personalidades tanto de la alta sociedad como del cine, la música, etc. han sido iconos de moda y se han utilizado por el sistema.

 

El conjunto de la muestra, se disfruta gracias a su aire fresco y a un recorrido enriquecido por la aparición de inesperadas piezas que despiertan la curiosidad. Pone en situación de manera clara y didáctica una visión general de la figura de las modelos, y por extensión la de la moda.  Se nota una excesiva presencia de documentos vinculados a Thierry Mugler o de Comme des Garçons, echándose en falta de otros en el conjunto. Por último, el punto más destacable de la expo es la manera de contar la evolución de la figura de la modelo desde anonimato a la cover-girl, de la topmodel a la chica de puerta de al lado, planteando así reflexiones más profundas sobre la importancia en el mundo de los negocios de la moda, su valor estético y en último término su carácter humano.

 

 

Alejandro Muñoz Salamanca

“Espagnolades” un spectacle semblant espagnol ou référant à l’Espagne

El tumblr es  un formato de página web que revoluciona la forma de compartir archivos gráficos en la red. Es algo así como una base de datos de imágenes on-line que uno mismo organiza, gestiona y comparte. En este caso, el tumblr ESPAGNOLADES se encarga de difundir imágenes de un cargado acento español o españolista.

 

Los responsables de este site lanzan al resto del mundo su visión fotográfica de nuestra península, y también la visión que los “otros” tienen de nuestra cultura. En síntesis, podemos encontrar desde fotos de Fran Rivera en plena suerte de matar, pasando por carátulas de álbumes de artistas como Azúcar Moreno o Miguel Bosé, Sara Montiel o Rocío Jurado, llegando a las fotos de las interpretaciones que los diseñadores de las grandes maisons lanzan en sus propuestas de haute couture. Encontramos así un desfile de imágenes seleccionadas con absoluto cuidado en el que un primerísimo primer plano de las lágrimas de la Esperanza de Triana aparece sucedido inmediatamente por la impactante imagen de la consecuencia de un pitonazo en la taleguilla de un torero.

Es irreverente, fresco y en cierto modo interesante por la visión que nos da de nuestra imagen actual difundida por los medios exteriores y por los nuestros propios. En algunos momentos puede pecar de costumbrista con ciertos cuadros taurinos o religiosos, pero rápidamente se ve que son capaces de mostrar ese ámbito de nuestra cultura al lado de imágenes que fusionan la religión y la alta costura con la fotografía del gusto más refinado en una combinación sublime.

Nuestras miradas se posan a lo largo de la página sobre fotografías magistrales de  Miles Aldridge para Numéro, Mario Testino para Vogue España o Bruce Weber, cineasta y reconocido publicista de marcas como Ralph Lauren o Abercrombie & Fitch. El diestro Jose María Manzanares posando con traje de luces en un decorado goyesco, la modelo Kate Moss envuelta en encajes, Mari Fe de Triana en una imagen clásica de los años 60 o Sarah Jessica Parker con sombrero cordobés, son solo algunas de las estrellas de que encontramos en este paseo por el universo de lo espagnol. Punto aparte merecen las imágenes de desfiles en los cuales la influencia española queda de sobra manifiesta. YSL, Balenciaga, Ralph Lauren, Moschino o Balmain, e incluso marcas deportivas como Adidas, tienen particulares visiones del universo español y así lo plasman en sus colecciones.

 

Es, en definitiva, un site donde recrearse orgullosamente la vista a base de encajes y peinetas, junto a lo más granado del mundo de la fotografía, que han tenido a bien dejarse influenciar por el encanto de la cultura española. El titulo mismo del tumblr nos lleva en su definición a “un espectáculo de aspecto español o referido a España”. Por lo tanto, que mejor forma de disfrutarlo que completando el show con música que nos lleve a ese ámbito español o españolizante. Mis sugerencias: Sketches of Spain de Mile Davis, alguna visión exótica de España en música, como el Capriccio Spagnole de Rimsky-Korsakov o, para los más atrevidos, la Malagueña de Shostakovich. También una buena play-list de copla o algún recopilatorio de marchas para la Semana Santa o para los festejos taurinos. Resultará sin duda una experiencia agradable a la vista y al oído.

Gabriel Gonçalves