Givenchy

Qué: Hubert de Givenchy
Dónde: Museo Thyssen Madrid
Cuándo: 22-10-14 a 18-1-15
Se acaba de cerrar la exposición que el Thyssen le ha dedicado a Hubert de Givenchy, el último de los clásicos y uno de los primeros modernos, todavía vivo. Como acto casi final, ha servido una jornada dirigida por el ISEM (Instituto Superior de Estudios de Moda) dentro del museo. He podido asistir, y me gustaría transmitir algo de su contenido y mis impresiones.
En primer lugar parecen muy necesarias estas confrontaciones de la moda con el mundo académico, sobre todo si aspira a ocupar un sitio en los centros de gestión de arte. Este fue precisamente uno de los temas. La presente exposición se suma a otros hitos, que comenzaron con la mítica, y en su momento controvertida, muestra de Armani en el Guggenheim de Bilbao. Más reciente queda la grata sorpresa del montaje en el Cerralbo de Madrid sobre moda española. Y es que la teoría ya empieza a asumir la necesidad de reflexionar sobre las supuestas artes menores, como moda, cómic o diseño industrial y gráfico. Todas son expresión de la dimensión creativa humana. Especialmente en la mesa redonda final, con responsables museísticos, políticos y modistos, esta reivindicación quedó muy clara.
Amalia Descalzo, el alma de las jornadas, y profesora de cultura y moda en el ISEM, abrió la sesión enmarcando a Givenchy en una historia del lujo y el prêt-à-porter, sobre todo desde la revolución francesa. Junto a ella asistimos al nacimiento de la identidad de los modistos, que comenzaron a tener nombre propio. Me pareció acertada la aportación de Lourdes Cerrillo, profesora de la Universidad de Valladolid, que relacionó al modisto con categorías como la identidad del sujeto en el siglo XX, el papel del color negro en el arte moderno o la primacía de la imagen. También fue pertinente la conferencia de Igor Uría, del museo Balenciaga, para conocer los catálogos de telas que se usaban en la alta costura. Solo desde la materia se puede entender la forma. De su intervención salieron muchas asociaciones formales entre el de Guetaria y quien se decía su discípulo y admirador.
Dada la especial relación de Givenchy con Audrey Hepburn, la intervención de Miriam Vizcaíno, del Centro Universitario Villanueva, resultó fundamental. En ella quedó clara la pionera alianza con los medios audiovisuales y el sistema de estrellas. Con gran nivel académico, se proporcionaron muchas pruebas documentales de esta relación.
En el descanso, todos pudimos visitar la muestra. Como en otras que he visto últimamente en el Museo del Traje, en el Galliera y en el V&A, el montaje se basaba en agrupaciones por temas y colores, pero no tanto en la creación de una propuesta espacial y expositiva singular, como se hizo en la de Armani y en la del Cerralbo. Estas últimas me parecieron más sugerentes porque huyen del catálogo para educar creando una atmósfera. De todas formas, siempre es emocionante ver en directo trajes como el que abre “Desayuno con diamantes”, uno de cuyos tres únicos ejemplares donó Givenchy a nuestro Museo del Traje. La opción por maniquíes blancos neutros pero versátiles permitía ver solo los modelos, aunque es difícil igualar los famosos cuerpos vacíos e invisibles del mencionado montaje de Armani.
Como balance personal, me ha parecido muy jugosa la inversión formal que hace Givenchy trasladando a la espalda el trabajo expresivo que se suele reservar para el frente. Aunque en esto, como en la monocromía y las siluetas cilíndricas pensadas para la nuca y un cuerpo curvado hacia adelante, ya había sentado cátedra Balenciaga, que se agranda indirecta y discretamente con cada exposición que vemos sobre los que le siguieron.
Fernando Zaparaín

El lujo no solo es oro

Los jóvenes creadores de joyería cada vez apuestan más por el diseño innovador y menos por los materiales preciosos, lo que hace que los precios se abaraten y que podamos lucir piezas de vanguardia en joyerías de alta gama. Por otro lado, el trabajo que los propios creadores hacen en redes sociales como Instagram o Facebook lleva a que su visibilidad y presencia sea mayor y que sean conocidos por un mayor número de público usuario de estas redes, que son en definitiva los posibles compradores.

El diseño exclusivo y único, es la apuesta de creadores emergentes como el alemán Marcel Dunger que propone para esta temporada en su colección Manufactured piezas únicas, sobrias y sencillas, mezclando materiales tan insospechados como el oro y la plata combinado con astillas de madera engarzadas en cristal. Aunque cada pieza sea diferente, la relación entre la exclusividad y el precio es sorprende.

 

Manufactured by Dunger- colgante tila

Manufactured by Dunger- colgante tila

Manufactured by Dunger- pulsera tabea

Manufactured by Dunger- pulsera tabea

La firma italiana Schield está conformada por un tándem de lujo en el que trabajan mano a mano el italiano Roberto Ferlito en el diseño y el español Diego Díaz Marín como fotógrafo. Ellos mismos definen su trabajo como un proyecto de diseño, moda y fotografía. Cuentan ya con una trayectoria avalada por cinco colecciones inspiradas en elementos tales como golondrinas en vuelo, cuya silueta estuvo presente durante más de una temporada en un sinfín de estampados; estrellas con un pretendido toque USA, aunque filtrado por el fatto in Italia; y manos que se unen para crear collares, pulseras o sus maravillosos pendientes de cadena. Los cuervos en tonos dorados, plateados y cobrizos, combinados con entramados de espino, han sido el leitmotiv elegido en la actual colección para adornar los cuellos, dedos y orejas de las más sofisticadas y atrevidas it-girls.

 

Schield- Swallows Necklace

Schield- Swallows Necklace

Schield- Fighting Crows Necklace

Schield- Fighting Crows Necklace

Schield- Hand ring

Schield- Hand ring

En España no nos quedamos atrás en cuanto a lo que en diseño de joyas se refiere. Julieta Álvarez es una joven creadora que tras pasar por trabajos como vestuarista de artes escénicas e instituciones como el IED, ha decidido crear su propia marca de joyería: J.A. Además de joyas incluye en su colección “objetos” de decoración en la misma línea estética. El diseño de sus pieza es de formas suaves, resultante de la combinación de figuras geométricas con colores tranquilos donde el blanco y los tonos pasteles se yuxtaponen a dorados y negros, en un juego a la vez divertido y elegante entre acabados mate y brillante. Los materiales escogidos en las piezas sobrecogen por su sencillez: cerámica esmaltada y metal. En su última colección ha apostado por crear meteoritos en cerámica modelada a mano y esmaltada en negro o dorado. Son al fin y al cabo piezas escultóricas suspendidas de una cadena sobre el pecho.

 

J.A.- meteoro for him

J.A.- meteoro for him

J.A- Vase I

J.A- Vase I

J.A.- meteoro for her

J.A.- meteoro for her

J.A.- Cone I

J.A.- Cone I

J.A.- BLUE FLAT-TOP FANG

J.A.- BLUE FLAT-TOP FANG

 

 

 

Gabriel Gonçalves (OBtem)

A ONOR DEL FALSO

a onor de lo falso

El gusto por el kitsch exquisito lleva a la exportación de bisutería y complementos estadounidenses de los años 50 y 60. Lo insólito  del hecho es que suceda en Florencia, aunque bien mirado ningún otro lugar mejor para comprender los principios del diseño ostentoso y accesible, tanto si se pone este tipo de objetos en paralelo con la estética histórica de la ciudad, como con la producción de objetos semindustriales, pero de un diseño y ejecución impecables, que desde aquí se exportaron contemporáneamente.

Orologario de vía del Corso

El Orologario de vía del Corso es un lugar mágico para sumergirse en el mundo de lo llamativamente falso y ostentoso, admirando tocados, gafas y broches de tamaño y brillos desmesurados, que festejan su plasticidad (material y formal) con una alegría contagiosa.

6 5 4 3 1 Orologario de vía del Corso

Laura Vegas

Fahisonistas atención¡

Querid@s fashionistas, un nuevo movimiento llega para facilitar la vida de cualquier ser humano.

 

Llega el “Normcore”,  es decir, vestir sin seguir las tendencias. El gusto por la estética de la normalidad. ¡Bien!

normcore moda tendencias

 

Digamos que el vestir un poco obsoleto, aburrido, es lo que se lleva. Ahora los estilísmos imposibles de tus progenitores en sus horas de relax, en los domingos por la mañana, o salidas rápidas al super, son lo MÁS!

 

Busca y rebusca en tu armario, en el de tus padres, hermanos mayores e intenta encontrar esas prendas de los 90 que tenías reservadas en un oscuro rincón para un “por si acaso”….y ya las puedes utilizar, vive la anti- moda!

 

El objetivo principal del Normcore es hacer que el individuo pase desapercibido, lo cual es también un poco irónico  porque a su vez pretenden diferenciarse de la masa huyendo del postureo artificial….

 

En el fondo son estilismos cómodos y sencillos para afrontar el  día a día. Lo cual es lo más normal del mundo, ya que para salir a hacer la compra, hacer deporte, o ir a por el periódico no hace falta que luzcas tus mejores galas.

 

No es ir en contra las reglas de la moda, sino de imitar esas combinaciones de looks que antes tildábamos de antimoda.

 

Saca las camisetas promocionales de supermercados y discotecas y sé un nuevo moderno.

 

Adiós perros de marca, hola chuchillos mil leches, adiós tés importados, hola cortados del bar de abajo, bye bye gastrobares, hola tasca, hola look de turista alemán… La normalidad llega para imponerse en nuestras vidas -lo cual hace  que me plantee si no seremos todos un poquito a-normales….¿?-.

 

¿Queréis referentes en los que basaros? Comenzad a ver de nuevo la serie Seinfeld, esa serie puede ser una guía determinada de este nuevo estilo, y el look “sandalia-calcetín germano” puede también ser un gran aliado.

 

Peace!

Virginia Pérez Cavia

Larga vida (literal) al denim!

iD y Diesel se han unido para crear este vídeo, “De la “A” a la “Z” del baile.”

 

Todo para promocionar sus jogg jeans, diseñados por  Nicola Formichetti, Director Creativo de Diesel.

 

Los jeans se hacen a mano, utilizando una mezcla de fabricación de denim-punto, haciéndolos más flexibles y menos propensos a rasgarse en la entrepierna en la pista de baile y en tu día a día. Básicamente, están enfocados en mejorar y enfatizar la silueta del cuerpo sin privarla de movimiento.

denim dance obtem

Ahora sí que puedes vestirte para arrasar, y a nada que copies alguno de sus pasos de baile con un poco de dignidad, seguro que atraes algunas miradas (lo que ya no te puedo asegurar si el impulso será de sorpresa, anhelo, simpatía o curiosidad). Ahora ya puedes menearte como en la pista de baile y sin temor a riesgos.

 

 

 

Virginia Pérez Cavia

Fashion Film, un nuevo género para las artes audiovisuales

PRADA FALL_WINTER 2013 WOMEN'S

En el ámbito de la industria de la moda, el potencial que hace poco más de un lustro abrió el video en internet parece no haber colmado todas las expectativas que prometía. Steven Meisel, Nick Night o Jim Jarmusch se han unido a músicos reconocidos o bandas underground para realizar films dentro del sector del lujo. La mayor parte de las veces con aciertos incuestionables, a los que se suman los de otros fotógrafos y músicos menos visibles. Con todo, parece que los presupuestos de las grandes marcas de lujo para el fashion film están desubicados, los departamentos de comunicación mantienen una pobre estrategia de distribución y, todavía más grave, los contenidos no suelen ser convincentes.

Nick Night 2

Sin embargo desde el punto de vista estético, el fashion film se está imponiendo como un nuevo género dentro de las artes de la representación mediáticas, y desde luego como un catalizador de las tendencias para los amantes de la moda y del cine.  Sin ir más lejos, a este carro se ha sumado MADRIDFFF, el primer festival internacional de fashion film realizado en nuestro país (Madrid 28-10/3-11).

Bishi Holi Holy

 Los orígenes de las películas promocionales de las marcas de moda y la creación de un circuito propio están en Diane Pernet y su festival internacional que se celebra con carácter anual desde hace seis años.  El premio ASVOFF este año lo ha obtenido el corto Holi Holy. Un trabajo del fotógrafo y director Bharat Sikka y el diseñador Manish Arora.  Paisajes y personajes se mueven ralentizados por la cámara para contarnos la historia de las viudas de Varanasi o Benarés, que desde sus saris blancos salen por primera vez a la calle para celebrar la colorista fiesta del Holi.


Todo ello en un tono más sugerente que narrativo, gracias a la resonante riqueza textural de la banda sonora protagonizada por el canto sagrado de la cantante clásica y pop Bishi Bhattacharya y el resto de voces femeninas que con su monodia y polifonía imitativa entonan un “María” a modo de plegaria sincrética a la madre. Música que enmarca acertadamente los caracteres que intervienen. Entre ellos, las dolientes viudas de blanco y su oración purificadora a orillas de los ríos Varana y Asi, la escultural y polifacética Bishi, las estáticas modelos vestidas por Manish, y el corifeo encarnado por los personajes de las calles de Benarés en el doble papel de público y performance de acción.

India Festival

El ambiente ecléctico en las localizaciones urbanas sirve de escenografía y contraste a los ricos estilismos ornamentados de sus portadores. La doble dimensión contemplativa y bulliciosa, que convive sin solución de continuidad en la cultura tradicional de la India, se materializa en la artesanía de los complementos, la viveza y juego de colores en rosa fuerte y oro, o la silueta y guiño coreográfico a lo Bharata Natyam de los brazos angulosos de Bishi,  que se asoman desde un cuerpo enfundado sin restricciones o disimulos.

A diferencia de algunos trabajos de los grandes como Nick Night, más preocupados por el significante (material audiovisual) que por el significado (contenido a comunicar), la frescura de Holi Holy cuenta con un logrado conjunto de imagen y sonido que culmina en un resultado que habla de “sufrir la alegría”, como comenta el filósofo Fabrice Hadjadj en El paraíso en la puerta. Si la verdadera alegría residiera únicamente en el cambiante colorido de mis emociones se asemejaría a la parte más trendy de la moda: inestable, superficial, confusa y preñada de artificios.  Que es lo mismo que el deseo perpetuo del bien aparecer exterior y sus vanidosas dependencias. Y con el riesgo de cerrar para siempre la fuente torrencial del “ser” por tanta comodidad, seguidismo, pavoneo, apariencia y consumismo. Viene bien recordar que la alegría no es siempre un sentimiento que nos conmueve, sino el elemento en el que nos movemos, como el agua de los ríos de Holi Holy. La alegría es una verdad que no tiene nada de psicologismo: es cuestión de fondo y no de estado, de ser y no de humor. La pobreza no está reñida con la felicidad, ni tampoco con la belleza. Enhorabuena por el premio al mejor sonido y al mejor talento emergente. Sin duda un relajo para los tímpanos y las retinas.

 

Victoria Cavia (OBtem)

I Foro de Bilbao International Art&Fashion

2013/10/03 BILBAO INTERNACIONAL ART & FASHION EN LA ALHONDIGA
El OBtem se ha reunido por primera vez con los representantes de las más prestigiosas Escuelas de Diseño Internacionales. La Jornada ha tenido lugar en el I Foro de Bilbao International Art&Fashion.  En una mesa redonda dirigida por Victoria Cavia (OBtem, Universidad de Valladolid)  se trató de la innovación y  creatividad en la moda, tanto desde la perspectiva de negocio como desde su dimensión artística. El futuro de los centros académicos en la formación de los diseñadores emergentes y su papel en un sociedad red, globalizada e intermediada por las nuevas tecnologías, fueron algunos de los temas debatidos por Simon Collins (Parsons, New York), Adrien Parry (Marangoni, Milán), Elisa Palomino (Central St. Martins, Londres), Maria Nishio (Central St. Martin, Londres) e Isabel Berz (IED, Madrid). Todos ellos, representando a centros punteros desde donde han salido diseñadores como Marc Jacobs, John Galiano, Dona Karan, o Alexander McQueen. Se animó a la sala a un trabajo esforzado y constante (“do your homework”), la dignidad y calidad de cada diseño que se acomete, la elegancia como actitud vital, la belleza de los resultados dinamizada desde la autenticidad y la  apertura, o los puentes entre lo académico y el ámbito profesional.
OBtem_Art&Fasion
Para más información: http://www.bilboost.com/

Mats Gustafson

gustafson en Estocolomo

Mientras regreso de Estocolmo, donde he podido pasar unos cuantos días, aprovecho para escribir sobre una exposición que se puede visitar, del ilustrador de moda sueco Mats Gustafson, y lo hago antes de que se pase la fuerte impresión que me ha causado. Encontré esta muestra en la casa-museo del escultor Carl Milles, en un suburbio cerca de la capital.gustafson01

Este ilustrador, nacido en Suecia en 1951 y afincado en New York, lleva trabajando desde los años 70 y ha realizado portadas de las principales revistas de moda e incluso bolsas de papel para H&M. Empezó en una época difícil para el dibujo, por la hegemonía de las fotos y las supermodelos en el mundo de la moda. Ahora que la ilustración vuelve a llevarse, es justo que estas figuras se recuperen.gustafson04

La exposición recoge su obra más característica, con acuarelas de formato medio, de unos 50 cm. Son casi monocromáticas, y renuncian a los detalles para reflejar siluetas y transparencias, algo muy apropiado para la moda. Lo que en un primer momento puede parecer simplicidad se convierte en una disciplinada selección de lo fundamental. Esa concisión es más difícil por el medio empleado, la acuarela, que no permite correcciones y debe realizarse con una sola tintada y trazo por cada capa. A eso se añade una mágica comprensión del trabajo en húmedo que proporciona irisaciones y texturas impactantes.

Se aprecia una fuerte influencia de las aguadas chinas y japonesas, con trazos casi caligráficos y únicos, sin apenas mezcla de colores. A esto se une su clara vinculación con el pop art, del que fue contemporáneo en sus comienzos, que se traduce en gusto por la seriación, fondos planos, ausencia de perspectiva y contornos fuertes como los del cómic. Sus figuras recuerdan a las de Opie o Roy Liechtenstein, pero con la sensación de frescura que aporta la acuarela.

En cuanto a los temas, se centra en el mundo de la moda, aunque también tiene retratos y desnudos. Las prendas aparecen estructuradas por la silueta que las soporta. Son especialmente fascinantes los tules negros superpuestos aprovechando la transparencia de la tinta.
gustafson02
No estamos ante un simple figurinista de oficio y a la moda, que construye siluetas sugerentes. Hay un gran trabajo para esencializar con el dibujo, como queda patente en sus retratos. También se construye una atmósfera y se colocan los motivos en relaciones compositivas atrevidas con los marcos.  No en vano, Gustafson proviene del cine y la escenografía, como demuestra el vídeo de este enlace, que debe verse con paciencia.

En resumen, un autor que ha trabajado en los circuitos comerciales pero que viene del arte con mayúscula y desde ahí puede darle peso a la moda, siempre tan necesitada de ello.

Fernando Zaparaín

Est-ce ainsi / Esto es Así

La moda siempre ha mantenido un vínculo muy fuerte con el resto de artes, y se ha servido de sus procesos creativos para su elaboración. Pero, me gustaría presentar el caso inverso, concretamente cuando la arquitectura  se estudia y se piensa  a partir de la vestimenta. Y, bien sabe de ello Xavier Wrona y su agencia en Francia: Est-ce ainsi.

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 Xavier Wrona, en tanto que profesor de arquitectura como director de workshops alrededor del mundo, comprende que se puede enseñar arquitectura a través de los métodos de la moda. Es por lo cual,  en una ocasión el ejercicio de curso de la asignatura de proyectos que imparte es la realización de un redingote o riding coat con un presupuesto mínimo de 50 euros. El redingote o prenda de montar a caballo, era un abrigo propio del Antiguo Régimen que por su diseño abierto en la parte delantera permitía montar a caballo, pero la que su longitud de la parte trasera y su calidad textil marcaba el carácter del hombre burgués de gran riqueza y patrimonio. Los alumnos se enfrentaban así a un proyecto de ideación, definición gráfica para su posterior ejecución real. La mayoría de los estudiantes de arquitectura terminar la carrera sin haber construido ninguna de sus ideas. Entonces, así se aprovecha y se lleva a cabo un ejercicio físico de arquitectura, a través de la indumentaria. Con este ejercicio, aparece el  impacto que adquiere el proyecto gráfico en lo real, haciéndose frente a los incidentes o las sorpresas que ocurren en la ejecución, y a saberlo solventar para redirigir el proyecto. Porque, aquello que dibujan y representan en sus planos, se traducirá en la costuras, estructura y tejido del redingote, pero que en la vida profesional será un muro, una unión estructural o un material de fachada con una plasticidad determinada.

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Las ideas de Wrona tratan de ir más allá. Es bien aceptado por todos que la arquitectura es un reflejo de la sociedad, sin embargo, hay que tener conciencia también de que casi el 90% de los proyectos son dirigidos por la fuerzas de riqueza capitalista. Wrona propone que los diseños se inspiren y muestren la realidad social del momento, convirtiéndose en nuevas voces del individuo. De esta manera, desarrolló un workshop en India en el que se elaboraron vestimentas arquitectónicas abstractas que expresan los problemas del país, como por ejemplo la educación convertida en negocio,  el desarraigo al tradicional mercado de los domingos por las hiper-operaciones urbanísticas, los intocables o el tráfico clandestino de mujeres.

Lo más interesante de la figura de Wona es la manera especial en que se ponen en contacto arquitectura y moda a lo largo de su carrera e investigaciones, produciéndose constantemente fenómenos de ida y vuelta entre las dos especialidades, deviniendo en una simbiosis muy fructífera de ambas.

        03             Alejandro Muñoz Salamanca.

Moda & Sinergias 2.0

El V curso de moda está listo. A continuación os ofrecemos toda la información necesaria para asistir.

El mundo de la moda ocupa un papel central en nuestro entorno cultural y económico. Moda & Sinergias 2.0 explora la estructura y las estrategias de un negocio que innova en su relación con la arquitectura, el diseño gráfico, la música, el arte y las nuevas tecnologías.

La Fashion 2.0 está provocando profundos cambios convirtiendo al usuario de la red en consumidor y creador de contenidos. Se abren nuevas posibilidades profesionales y comerciales que hay que saber gestionar para aprovechar las sinergias que nos afectan a todos como agentes activos en el sistema moda.

Objetivos

El curso busca proporcionar un marco de comprensión de la moda en su relación con las premisas estéticas, las nuevas tecnologías de la información y el conocimiento, los impulsos performativos, las cualidades sociales y las condiciones económicas.

Destinatarios

Estudiantes de Humanidades y Ciencias Sociales, Periodismo, Publicidad, Historia y Ciencias de la Música, Historia del Arte, Económicas, Sociología, Ingeniera, Arquitectura y Escuelas de Diseño de Moda.

Profesionales y empresarios vinculados al sector de la moda.

 

Programa

Jueves 23 de mayo

Tarde

16.00 h. Presentación. Dña. Victoria Cavia. Prof. Hª y Cª Música. UVa, OBtem

Moda y espacio artístico

16.15 h  La exposición de moda, un reto para la conservación. Dña. María López Rey. Conservadora-Restauradora de Bienes Culturales

17.30 h  Moda y arquitectura: piel, masa y superficie. D. Fernando Zaparaín. Profesor Titular de Proyectos Arquitectónicos de la Universidad de Valladolid, Obtem.

18.30 h  Pausa

19.00 h  Moda y escena: trajes del teatro ruso de vanguardia. Dña. Miriam Ruiz Íñigo. Profesora de Proyectos Arquitectónicos de la Universidade da Beira Interior, Portugal.

20.00 h  Mi carne es mi textil favorito: cuerpo, arte y moda. Dña. Alicia Serrano Vidal. L. Historia del Arte.

 

Viernes 24 de mayo

Mañana

Moda y espacio digital

10.30 h  Nuevas perspectivas de la Moda digital. Dña. Isabel Fernández de Córdova. Profesional de la comunicación en Moda.

12.00 h Pausa

12.30 h. La marca de Moda online: un nuevo reto. Dña. María González Álvarez. Retail Industry Manager, Google España.

 

Tarde

Workshop

Moda, Multimedia y Nuevas Tecnologías: Art & Engineering Garage

D. Antonio Cabanelas. Ingeniero audiovisual y consultor. Diseñador de experiencias multimedia para marcas de moda y retail.

6.15 h    Sesión 1.-Identificación de recursos profesionales propios: “Mapping your profesional resources”.

18.00 h  Pausa

18.30 h  Sesión 2.- Innovación en modelo de negocio: “Successful development retail environments”.

19.45     Pausa

Moda y espacio gráfico

20.00 h     Imagen de moda e ilustración gráfica. D. Fernando Zaparaín. Profesor Titular de Proyectos Arquitectónicos de la Universidad de Valladolid, OBtem.

 

Sábado 25 de mayo

Mañana

Moda y espacio gráfico

10.00 h Balenciaga: topografía, superficie y hueco. D. Federico Rodríguez Cerro-Profesor de Proyectos Arquitectónicos de la Universidade da Beira Interior, Portugal.

11.15 h  Pausa

11.30 h  El escaparate: espacios, diseños y tendencias. D. Luis Barrero y Dña. María Sortino. Máster de Diseño de Interiores de la Universidad de Salamanca.

Clausura

 

Información e inscripción:

Al correo electrónico: musica@fyl.uva.es, http://www.musicologiahispana.com/

Historia y Ciencias de la Música. Facultad de Filosofía y Letras

Plz. Del Campus s/n 47003. Tel. 983423596. http://www.musicologiahispana.com/

 

Diploma: se entregará diploma acreditativo a los matriculados que asistan al curso

Créditos: Corresponde 1 ECTS (2,5 LC)

Plazas limitadas por orden de inscripción

Tasa de la matrícula: 20 euros

Forma de pago de la matrícula. Transferencia Bancaria 0182 7206 60 0201537456